Kurse bis WS 2019/20

Dieser Kurs versucht eine Standortbestimmung des neuesten Musiktheaters und wählt dazu das Prisma eines weltweit ausgeschriebenen Wettbewerbs, der eine Augenblickaufnahme ermöglicht:

Music Theater Now ist ein vom International Theaterinstitute (ITI) alle 3 Jahre ausgeschriebener Wettbewerb für neues Musiktheater (http://mtnow.org/start/). Eine Jury wählt aus den Einsendungen (2015 waren das 450!) realisierter und dokumentierter Musiktheateraufführungen die 14 interessantesten und avanciertesten aus und das ergibt zwangsläufig eine faszinierende Standortbestimmung des Neuen Musiktheaters. Auffällig ist die Vielfalt der szenischen Formate und musikalischen Idiome: von Klangkunst zu Liederabend, von High-tech Multimedia Spektakel zu afrikanischem Konzert, von Barock zu Neue Musik, von Jazz zu Musical. Auf der Basis dieses heterogenen Materials werden wir uns zentrale Entwicklungen der Arbeitsprozesse, der Ästhetik und Thematik dieser Aufführungen erarbeiten. Ergänzt wird das Panorama nach Möglichkeit durch neue Musiktheaterproduktionen in und um München.

Die Vorlesung gibt eine Einführung in die ästhetische Theorie der Szene: Was macht Theater als Kunst aus und wie lässt es sich als solches beschreiben, aber auch: wann fängt Theater überhaupt an Kunst zu sein und was unterscheidet es vom Film? Im Zentrum steht dabei die Klärung von ästhetischen Grundbegriffen (Figur, Chor, Gestus, Montage, Liveness, Reenactment, etc.), die an exemplarischen Fallstudien und in ihrem historischen Kontext diskutiert werden.

Insofern sich die Theaterwissenschaft als Kunstwissenschaften versteht, beschäftigt sie sich traditionell mit ästhetischen Fragen, und zwar spätestens seit den 1990er Jahren vorwiegend aus Sicht der Rezeption: die Aufführungsanalyse steht im Zentrum der Disziplin während produktionsästhetische Fragen nach der Herstellung von Theater in Verruf gekommen waren. Denn diese wurden bis spät ins 20. Jahrhundert entweder in romantischer Tradition mit Verweis auf die Genialität eines Autors (seltener einer Autorin) beantwortet oder seit den 1960er Jahren in marxistischem Duktus mit Verweis auf den gesellschaftlichen Kontext erledigt. Das Thema der Produktion, also des Machens von Theater, wurde einerseits den Sozialwissenschaften andererseits den Kunsthochschulen überlassen. (Ähnliches lässt sich für den Film beschreiben). 

In den letzten Jahren lässt sich jedoch wieder ein verstärktes Interesse für Produktionszusammenhänge im Theater (in den Künsten überhaupt) beobachten, das sich einerseits aus aktuellen Diskussion im Theater (den Künsten), andererseits aber aus einem neuen Materialismus in den Kulturwissenschaften speist. Damit rücken u.a. Fragen nach der Arbeit, dem Wissen und der Macht im Kontext der Theater-(und Film-)produktion in den Vordergrund. 

Das Seminar schaut sich rezente Ansätze aus Probenforschung, Productions Studies, Kulturanthropologie und Theaterhistoriographie an, diskutiert die theoretische Stoßrichtung der neuen Materialismen und bietet Studierenden die Möglichkeit eigene Forschungsperspektiven zu entwickeln und vorzustellen. 

Die Projektübung setzt sich mit Theaterfestivals und ihren Politiken auseinander. Nach einer kurzen Einführung in historische und zeitgenössische Debatten sowie theoretisches Werkzeug geht es primär um die Auseinandersetzungen mit aktuellen Festivals und die Fragen der Möglichkeit einer teilnehmenden Beobachtung.

Das Seminar führt in die Inszenierungs- und Aufführungsanalyse ein. Es werden grundlegende Begriffe erarbeitet und die Wahrnehmung am konkreten Beispiel geschärft und trainiert. Neben Theater und Tanz werden auch Inszenierungen aus Medien, Politik und Alltag in den Blick genommen. Der thematische Schwerpunkt liegt auf der performativen Konstruktion von kulturellen Identitäten: Denn Geschlecht oder Hautfarbe sind keine Konstanten, die sich auf Blut und Boden zurückzuführen lassen, sondern historisch höchst volatile Kategorien, die ähnlich wie die Zugehörigkeit zu sozialen Schichten immer schon kulturell überdeterminiert sind. Was Frauen zu Frauen macht, Weisse zu Weissen oder Akademiker zu Akademikern sind Arten und Weisen des Sich-Gebens sowie des Gesehen-Werdens – beides meist früh erlernt, kollektiv geteilt und medial vervielfältigt, jedoch nur selten bewußt gemacht. Der geschlechts-, klassen-, und farblose Mensch der Menschenrechte bleibt ein philosophisches Ideal, das mit den sozialen und ästhetischen Körpern, die im Alltag wie auf der Bühne immer schon auf Geschlecht, Herkunft und Schicht festgelegt werden Widerspruch steht. Neben den semiotischen und phänomenologischen Werkzeugen der Aufführungsanalyse sind daher auch Begriffe aus Cultural Studies, Gender Studies und Postcolonial Studies Thema des Seminars und leiten den Blick auf die untersuchten Inszenierungen.

Das Forschungsseminar beschäftigt sich mit der Frage nach Macht und Ohnmacht von theatraler Darstellung: wer darf wen darstellen und was macht die Darstellung mit denen die dargestellt werden? Ausgehend von einer historischen Perspektive, die sich mit Königen und ihren Narren, mit Figuren wie Molière und Shakespeare beschäftigt, diskutiert das Seminar die zeitgenössische Diskussion um Repräsentation und Aneignung (appropriation) im Theater (und der bildenden Kunst) und setzt sich mit aktuellen Inszenierungen auseinander.

Das Seminar ist als enge Kooperation mit den Münchner Kammerspielen angelegt und beginnt dort mit eine Workshop-Wochenende vom 20. bis 22. Oktober 2017.

WP 1.2 / WP 7.2. PÜ Praktiken des Theaters und der Medien: Theaterpraktische Forschung. Theorien und Experimente. 2 Std. 

(offen für "Sound und Movement" sowie „Intermedialität", je nach Themenwahl) 

(wahrscheinlich teils auf der Studiobühne und / oder im öffentlichen Raum, aber dennoch bitte einen Raum in der Georgenstraße buchen!

„Practice as Research“, „Künstlerische Forschung“, „Theaterpraktische Forschung“, „Artistic Research“ – unter vielen Namen wird seit einiger Zeit in den Kunstwissenschaften neu über die Verbindung von Theorie und Praxis nachgedacht. Kunst und ihre Praxis ist nicht mehr bloßes Tun und lediglich Gegenstand akademischer Analyse, sondern wird zunehmend auch als Methode der Wissensproduktion, ja als eigene Form des Wissens verstanden. Damit gehen neue Themen, neue Forschungsdesigns, neue Veröffentlichungsformate usw. einher. In diesem Kurs wollen wir uns einerseits mit den Diskursfeld der theaterpraktischen Forschung vertraut machen und gleichzeitig durch die Konzipierung, Durchführung und Präsentation eigener künstlerischer Forschungsprojekte das Thema konkret erfahrbar machen. Themenstellungen und Methoden richten dabei nach den Vorerfahrungen, Interessen und Fertigkeiten der Teilnehmer*innen und es wird ein weiter Praxis-Begriff zugrunde gelegt. Der Kurs und die Phasen der praktischen Eigenarbeit finden auf der Studiobühne (Neuturmstraße 5) statt, weshalb viele Kurstermine länger als zwei Stunden dauern werden, um der Eigendynamik künstlerischer Forschung Rechnung zu tragen.

Literatur:

Bippus, Elke. Kunst des Forschens. Zürich, 2012.

Borgdorff, Henk. The Conflict of the Faculties. Perspectives on Artistic Research and Academia. Leiden, 2012.

Matzke, Annemarie. „Künstlerische Praktiken als Wissensproduktion und künstlerische Forschung.“ In Kulturelle Bildung – online, 2013, https://www.kubi-online.de/artikel/kuenstlerische-praktiken-wissensproduktion-kuenstlerische-forschung, letzter Zugriff am 20. Nov. 2018.

Im Wintersemester 2018/19 setzten sich zwanzig Master-Student*innen im Institut für Theaterwissenschaft in einer gleichnamigen Projektübung mit „Audio Walks“ auseinander. Audio Walks sind eine schillernde Form der Performance zwischen Hörspiel, Audioguide und Klanginstallation; eine Aufführung, bei der/die Zuschauer*in selbst zum/r Protagonist*in wird; eine kulturelle Praxis zwischen Gehen, Flanieren, Hören und Zuhören.

Neben der Analyse bekannter Vertreter*innen dieser Spielform wie Janet Cardiff, Ligna, Michaela Melián oder Rimini Protokoll stand auch die eigene praktische Auseinandersetzung mit Audio Walks im Zentrum. Zunächst näherte sich der Kurs in kleinen Übungen an das Format an: Wie führt man jemanden mit der Stimme von A nach B? Welche Funktionen können Sounds oder Musik haben? Wie nimmt man Stimmen auf? In einem zweiten Schritt entwickelten die Seminarteilnehmer*innen in Gruppen Konzepte für eigene, vollständigere Audio Walks, recherchierten, schreiben Skripte, machten Feld- und Studioaufnahmen, editierten und mischten die Tracks.

Das Resultat waren fünf kurze Audio Walks von ja ca. 10-15min, erdacht für Orte in der Münchener Innenstadt, die auf die Geschichte, die Lokalität, die Soziotope der jeweiligen Räume reagieren, sie beschreiben und überschreiben.