Kurse WiSe 2020/21

Was ist Musikwissenschaft?

Die Veranstaltung behandelt die satztechnischen Grundlagen (Pentatonik, Tonarten, Zusammenklänge, Kadenzen und Signalakkorde), den vierstimmigen Satz (Regeln, Generalbass, Modulation) und Satzmodelle (Sequenzen, Parallelismus, Oktavregel) aus unterschiedlichen theoretischen Blickwinkeln.

Zusätzlich wird regelmäßig Gehörbildung geübt (Solfège, Melodiedikate, Zusammenklänge).

Wie beim Erlernen einer Sprache die grammatischen Grundlagen, so sind bei der Beschäftigung mit musikalischen Phänomenen fundierte theoretische Kenntnisse unabdingbare Voraussetzung für das Erkennen und Verstehen übergeordneter Zusammenhänge. In der "Einführung in die Satzlehre“ werden folgende Themengebiete behandelt:

• Gehörbildung
• Intervall- und Akkordlehre
  
• Einführung in den Generalbass
  
• Harmonielehre
  
• zentrale Analyseverfahren.
  

Worum geht es?

Die Kategorie der "Form" ist für die musikalische Analyse essentiell und dabei sowohl ein Erkenntnisziel als auch ein Ausgangspunkt einer jeden Werkbetrachtung.

Gleichzeitig ist der Begriff der "Form" als solcher nicht unproblematisch: Kann man Kompositionen mancher Epochen nicht ohne die ihnen zugrundeliegenden, manchmal klar umrissenen Formmodelle verstehen, muss bei einer musikalischen Analyse auch immer damit gerechnet werden, dass ebensolche Formmodelle Idealgestalten sind und in der kompositorischen Praxis oft genug überwunden oder gar bewusst ignoriert werden.

In der Übung sollen die unterschiedlichsten Formmodelle der Instrumentalmusik, wie Sonatenhauptsatzform, Fuge, Rondo etc., mittels exemplarischer Werkanalysen kennengelernt werden. Dabei werden verschiedene Gattungen und Epochen Gegenstand der Betrachtung sein, so dass der Formenlehre-Kurs gleichzeitig eine Einführung in die Methodik der musikalischen Analyse darstellt und das Wissen aus dem dazugehörigen Satzlehrekurs angewendet wird.

Ablauf

Der Kurs ist als reiner Präsenz-Kurs angelegt. Die Plattform moodle wird unterstützend für die Materialsammlung und als Daitedepot verwendet. Der Zugang zu Moodle wird Ihnen nach erfolgreicher Anmeldung über LSF per Mail mitgeteilt.

In diesem Seminar zur Musikpsychologie liegen die inhaltlichen Schwerpunkte einerseits auf Forschungsergebnissen zum Musikhören (z.B. Wahrnehmung unterschiedlicher Parameter von Musik, Wahrnehmung emotionaler Qualitäten von Musik) und andererseits auf Forschungsergebnissen zum Musizieren (z.B. Abgrenzung von Theorien der Begabung und der Expertise). Methodisch liegt der Schwerpunkt auf der Betrachtung empirischer Originalstudien, die durch Sekundärliteratur ergänzt werden.

Was die Musikethnologie zu einem spannenden Untersuchungsfeld macht, ist ihre gegenwartsbezogene Forschung. Ausschnitte aus dem Leben derzeitiger Musikkulturen rund um den Globus werden dies in der Veranstaltung jeweils verdeutlichen. Wie aber entstehen musikethnologische Forschungen? Die Sitzungen dienen daher auch dazu, beispielhaft in die verschiedenen Methoden der Musikethnologie einzuführen und sie zu diskutieren. Im Mittelpunkt stehen die Feldforschung mit der Interviewführung, Virtuelle Feldforschung und Fragen zu audio-visuellem Datenmaterial; auf letzteres nimmt auch der Titel der Veranstaltung, „Fern_Sehen“ Bezug. Als Gäste geladen sind u.a. der ugandische Musiker Ssewa Ssewa mit der von ihm erfunden und patentierten Doppelstegharfe Janzi, der Kontrabassist und Arrangeur Martin Zenker (Jazz Institut) zusammen mit der mongolischen Sängerin Enji.

Unter der Bezeichnung Musik des Mittelalters wird eine breite Vielfalt unterschiedlichster Musikrichtungen und Kompositionsverfahren zwischen dem 9. und dem 15. Jahrhundert in einer übergeordneten Epochenbezeichnung zusammengefasst. Dabei sprechen wir von unterschiedlichen musikalischen Formen, die zu verschiedenen Zeiten, an je anderen Orten entstanden sind, sowie verschiedenartigen Funktionen entsprachen.
Zudem wurden sie in je andersartigen Systemen notiert. Je nachdem, ob wir einstimmige oder mehrstimmige Musik betrachten und je nach Überlieferungssituation lässt ein musikalisches Stück, unterschiedliche Analysemethoden und Interpretationen zu.

Diese Lehrveranstaltung ist eine Einführung in die vielen Facetten mittelalterlicher Musik und vermittelt gleichzeitig die nötigen methodischen Kompetenzen, um diese musikwissenschaftlich erfassen zu können.

Dieses Seminar vermittelt zunächst Grundlagen, wie man aus moderner Sicht Töne und Intervalle exakt messen kann, wo die Grenzen der menschlichen Wahrnehmung liegen und wie moderne Methoden zur Erarbeitung historischer Stimmungen eingesetzt werden können. Anschließend werden gemeinsam unterschiedliche historische Stimmungssysteme erarbeitet und kulturgeschichtlich kontextualisiert (z.B. pythagoreische Stimmung, temperierte Stimmung, reine Stimmung usw.).

Um die theoretisch erarbeiteten Stimmungen auch in der Praxis als realen Klang kennenlernen zu können, wird im Unterricht mit moderner Computer-Software gearbeitet.

Erik Satie (1866-1925) gilt als der große Außenseiter der musikalischen Moderne, als eine ungreifbare, sich allen Kategorien entziehende Figur – als Dadaist belächelt oder verachtet von den einen, als Wegbereiter der Avantgarde bewundert und verehrt von den anderen. Entsprechend ist Saties Musik zum einen völlig unbekannt, zum andern Teil der modernen Popkultur geworden (etwa durch die als Film- und werbemusik eingesetzten Gymnopédies). Das Seminar soll mit den vielen verschiedenen Facetten von Persönlichkeit und Werk innerhalb der verschiedenen Kontexte der französischen und europäischen Musik- und Kulturgeschichte zwischen 1880 und 1925 bekannt machen und ausgewählte Werke (ggf. einschließlich der Schriften) behandeln. Französisch-Kenntnisse sind von Vorteil, aber nicht Bedingung der Teilnahme.

Die französische Musikgeschichte steht zur deutschsprachigen (deutsch-österreichischen) seit langen in einem eigentümlichen Verhältnis von heftiger Konkurrenz und gegenseitiger Anziehung, aber doch in der Wahrnehmung von deutschem „Zentrum“ und französischer „Peripherie“. Mit den ersten Werken Claude Debussys, Erik Saties und Maurice Ravels im letzten Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts änderte sich dieses Verhältnis: Die Französische bzw. eigentlich Pariser Moderne erlangte eine solche Eigenständigkeit und Ausstrahlungskraft, dass sie nicht nur auf „Ohrenhöhe“ zur deutschen Musik gelangte, sondern hinsichtlich ihrer Innovationskraft diese übertraf. Die Vorlesung beleuchtet die einzelnen Stationen und Persönlichkeiten dieser Entwicklung zwischen ca. 1890 und 1945, d.h. von den ersten bahnbrechenden Werken Debussys bis hin zu Olivier Messiaens Versuch einer völligen Neubegründung von Musik schlechthin. Dabei sollen außer der Vorgeschichte (Ars Gallica, Wagnérisme etc.) auch eher unbekannte oder vernachlässigte Aspekte (wie z.B. die französische Orgeltradition, die Groupe de Six oder die Jeune France) behandelt werden.

Herbert von Karajan nimmt unter den Dirigenten des 20. Jahrhunderts eine Ausnahmestellung ein, die sich auch mehr als drei Jahrzehnte nach seinem Tod in einer fast ungebrochenen medialen Präsenz und Verkaufsrekorden seiner Einspielungen zeigt. Karajan galt als „Phänomen“, und er selbst tat alles, um seine Begabung entsprechend zu inszenieren, beginnend bereits im Nationalsozialismus und bis zum Ende seiner mehr als 60 Jahre umspannenden weltweiten Künstlerlaufbahn; die enge Verbindung mit den technischen Medien bzw. Multiplikatoren und ihrem Fortschritt (Schallplatte, CD, Film, Radio Fernsehen und Video) spielt dabei eine wesentliche Rolle. Das Seminar beschäftigt sich mit der medialen (Selbst-)Inszenierung Karajans, dem dahinter stehenden Apparat, ihrer Vermarktung und der daraus resultiertenden Rezeption, ohne biographische, institutionsgeschichtliche und interpretatorische Aspekte zu vernachlässigen. Grundlage des Seminars sind ausgewählte audiovisuelle Dokumente.