Wintersemester 2024/25

Many thinkers and artists proclaimed all art to be ideological, from Lucy R. Lippard to T.J. Clark or Ai Weiwei. But what model of ideology is in power when this remark is observed, which ‘invisible orders’ govern the artistic practice of (re)imagining the world—as well as the art history of political engagement? This course seeks to historicize and introduce students to the complex relationship between theories of ideology and artistic practice. Historically, our discussions span the nineteenth century debates on the didactic purposes of art and its social function (e.g. John Ruskin), and the recent, post-digital articulations of an “algorithmic ideology” (Astrid Mager) or “bubble vision" (Hito Steyerl). These will be considered against the grain of critical models of ideology, ranging from the political right to the political left, from Peter Sloterdijk to Slavoj Zizek.

In order to digest this complex territory, we will depend on films as well as books; YouTube clips as well as essays; and above all on honest discussions in the seminar group. The purpose of this deeper inquiry is to enable critical questions of both general and specific variety: How do different models of ideology correspond to artistic paradigms such as ‘political iconography’ or ‘embedded critique’? What does it mean to think of the central categories of art and art history as ideology--e.g. ‘style’ as ideology; ‘creativity’ as ideology? How does the ‘Californian ideology’ (Barbrook and Cameron) apply to analyses and historizations of digital art? These and further questions that emerge will be applied to analyses of artistic practice including Ilya Kabakov; Cildo Meireles; Banksy; Hito Steyerl; Ai Weiwei or Wangechi Mutu, among others.

Das Seminar beschäftigt sich mit fiktiven Kunstwerken, Kunstwerken aus der literarischen Fiktion. Wenn die Künstlerinnen und Künstler, die sie schufen – bei vielen von ihnen handelt es sich um gescheiterte Existenzen – sich nicht in die Kunstgeschichte einzuschreiben vermochten, so sind ihre Namen dafür in die Literaturgeschichte eingegangen. Zu ihren prominentesten Vertretern gehören zum Beispiel der Maler Conti, Prospero Frescobaldi, gen. Ardinghello, Heinrich Lee, Frenhofer, Claude Lantier, Naz de Coriolis, Basil Hallward, Klingsor und Harriet Burden.

Das Seminar setzt sich das Ziel, diese fiktiven Kunstwerke, die wir nur aus der literarischen Beschreibung kennen, einer Analyse zu unterziehen – wobei allerdings der kunsthistorische Methodenapparat zwangsläufig um literaturwissenschaftliche Ansätze zu ergänzen ist. Gefragt werden soll u.a.: Wie lässt sich das Kunstwerk interpretieren? Was wissen wir über seine Genese? In welcher Beziehung steht das Kunstwerk zu seinem Schöpfer / seiner Schöpferin?  Welche Rolle spielt das (nicht selten mit Agency ausgestattete Kunstwerk innerhalb des Romans? Wie ließe es sich kunsthistorische verorten? In welcher Relation steht es mit der realen zeitgenössischen künstlerischen Produktion der Zeit, in der der die Novelle / der Roman / das Theaterstück publiziert wurde? Und schließlich: Welches Bild vom Kund und Künstlertum wird in den literarischen Werken vermittelt? 

Geradezu als „Staatsdenkmal” der bayerischen Geschichte wurde der sogenannte Tassilo-Liutpirc-Kelch betitelt, der momentan den Höhepunkt der bayerischen Landesausstellung „Tassilo, Korbinian und der Bär“ in Freising bildet. Dieses um 770 entstandene und einzigartige Objekt wie auch die anderen ausgestellten Werke – darunter ebenfalls künstlerisch außergewöhnliche Handschriften, Goldschmiedewerke sowie Architekturteile – dienen der Evokation, dass Bayern im 8. Jahrhundert eigentlich alle Bedingungen erfüllte, ein Königreich zu werden (wäre da nicht Karl der Große gewesen). Doch wie wird mit und durch die ausgewählten Objekte in dieser wie auch in anderen (Landes-)Ausstellungen mittelalterliche Geschichte vermittelt? Und wie kann nicht nur eine Annäherung an die Vergangenheit entstehen, sondern auch die durchaus intendierte Identitätsstiftung? Das Seminar nimmt diese Fragen zum Ausgangspunkt, betrachtet in erster Linie die mittelalterlichen Werke und analysiert dann die Strategien der Bedeutungszuschreibung wie auch des heutigen musealen Umgangs mit ihnen.

Das Seminar zeichnet eine Geschichte des Museums vom 18. bis ins frühe 21. Jahrhundert nach und behandelt dabei Bauten ebenso wie Präsentationskonzepte und deren Zusammenhang.